Como chilango, cada que voy a Guadalajara siento una vibra creativa especial. Desde afuera parece existir una comunidad, todxs están abiertxs a platicar de sus proyectos, a compartir sus procesos, sus contactos, a hacerte parte de una forma diferente (comparando con CDMX) de crear. Y en un análisis posterior, tras platicar con estos artistas, se alcanza a ver que están en un espacio de amplias posibilidades materiales, de oficios que se resguardan y que están abiertos a la colaboración en la medida en la que se integran nuevas generaciones. Basta con darse una vuelta por el Mercado de San Juan de Dios, Tlaquepaque o Tonalá, para observar que la talabartería, el vidrio soplado, la hojalata, la cerámica, siguen siendo oficios que se transforman y se consumen por el público general. La comunidad no ha sido opcional, ha sido una forma de crear los espacios que históricamente la ciudad no ha tenido y que, de un tiempo para acá, han ido creciendo.

Estación Material es uno de estos espacios que afianza a la ciudad como un epicentro para el arte contemporáneo; exhibe el trabajo de la creciente oferta artística local y a muchos otros ponentes de México, generando un diálogo que sale del formato de feria convencional. En mancuerna con Material, tenemos en la mira a cinco artistas que comparten territorio: Ana Paula Santana, Napoleón Aguilera, Cynthia Gutiérrez, Isa Carrillo y Denise Julieta. La sede para 2026 será, nuevamente, Plataforma, en la colonia Americana, y no seguirá un formato de booth. El espacio se configurará como un recorrido abierto, lo que permite encontrar conexiones entre artistas y mantener un diálogo franco frente a lo que se presenta.

CYNTHIA GUTIÉRREZ

“Cuando era niña recuerdo constantemente voltear a ver mis manos como un acto de hacer conciencia de que estaba viendo algo real, que no estaba soñando. Ahora lo pienso como la idea de que a través del tacto tenemos la certeza de que las cosas existen. Aunque hay muchas que no podemos tocar y sí son reales. A veces los sueños son más reales que la realidad.”

Cynthia creció rodeada del quehacer artístico. Su papá fue escultor y recuerda las visitas a su taller, ver los materiales cambiar y las reglas que se imponían para hacer una escultura: que tuvieran solidez, permanencia, que estuvieran sobre un pedestal. Conforme fue entendiéndose como artista, buscó desmantelar esas reglas y encontrar nuevas maneras.

Estudió Artes Visuales con orientación a escultura en la Universidad de Guadalajara, en lo que considera un momento de transformación académica —se le estaba empezando a dar más peso a las clases teóricas, pero no empataban del todo con las clases materiales— CG: “sentíamos que teníamos que balancear las expectativas de esos dos tipos de materias”. Su cuerpo de trabajo es amplio y se mueve a través de diferentes ideas cotidianas, su intuición va conectando esa idea con algo que vive o lee, y termina convirtiéndose en una investigación más formal; el tema va guiando la forma. CG: “Me gusta no tener una fórmula. La idea de identidad y deconstrucción desde lo personal a lo nacional; cómo se utilizan imágenes para manipular o generar pertenencia en grupos, incluso desde ideas nacionalistas y cuestionar si estos símbolos tienen vigencia; la escultura desde la idea del monumento, cómo abraza intereses y representa simbología de poder, etcétera.”

El trabajo podría sintetizarse como el tiempo, sus formas y sus políticas. Por ejemplo, ha registrado el paso del tiempo en las manos y las huellas que deja el trabajo en ellas. También ha enmarcado las páginas vacías de los álbumes, donde su mamá archivaba los recortes del periódico de las notas que reportaban las distintas develaciones de obra de su papá. Ahora quedan los diurex sin adhesivo y las sombras de la tinta que se frotó con el papel haciendo un archivo de vacíos. Y la exploración en términos de forma también es variada. CG: “Hay piezas que pueden sentirse muy pesadas, hechas de roca y bronce: águilas caídas, esculturas fragmentadas, pedestales que se vuelven la pieza en sí. Y momentos en los que se genera un juego, como en “Así comienza una montaña,” donde parece que el textil atraviesa la roca.” Para Cynthia, también es importante incorporar técnicas y objetos que se hacen con las manos y que se pasan de generación en generación. CG: “Hay una parte de talleres artesanales que siempre me interesó. Mi papá es de Tlaquepaque y desde chica sabía de la familia Panduro, los Preciado, familias dedicadas al vidrio soplado. He aprendido que el material va dictando el tiempo con el que se hace el objeto. Pareciera que el cuerpo se adapta al ritmo de cada oficio”. Aunque reconoce la enorme posibilidad de colaboración, también visualiza ciertos problemas. CG: “el arte busca transformarlo todo y la tradición quiere continuar desde su cimiento, por eso hay que tener respeto y buscar trabajar desde ahí”.

En el proceso de creación, Cynthia disfruta un momento en particular, el de la primera visita al espacio expositivo (cuando es posible) y la planeación de montaje de las piezas. CG: “Me gusta entender el espacio y ver qué hay alrededor, conocer la historia del lugar. Reconocer que lo que tenía que trabajar ya está hecho, y enfocarme en cómo todo va dialogando y cobra vida. También me parece importante lo que puede sentir el público cuando ingresa al espacio y ve las piezas; observar sus reacciones, escuchar alguna conversación, entender si logró conectar, si lo vinculó a otras referencias”.

La exposición que presentó este año en Curro, “Donde terminan las montañas”, parte de una investigación de petrograbados, en donde visita distintos espacios en los que se han encontrado estas tallas en piedra en Jalisco, para realizar un registro, no desde lo científico, sino desde la apreciación de los símbolos que los conforman. Buscó acercarse a ellos bajo el precepto de que estamos tan despegados del entorno que ya no podemos entenderlos. CG: “Fui registrando esos trazos en una bitácora, para después separarlos, reproducirlos para realizar una escultura en estructura de metal y vidrio sobre una base de madera; la montaña como límite rocoso con el cielo, la división entre lo material y lo intangible.” El espacio de la galería estuvo separado en dos áreas diferentes. La primera, un pasillo estrecho revestido en piedra volcánica con algunas ventanas que servían como guiño a los museos didácticos, como viendo a través de un microscopio, y se abría a un espacio amplio donde las esculturas jugaban entre sí.

Cynthia es consciente del efecto que la museografía podría tener. CG: “Todos mis proyectos parten de un conflicto muy personal, de enfrentarme a algo; de esa primera reacción pienso cómo lograr que algo personal se abra para conectar con los demás. Sí pienso en el público, el recorrido y en mí como si fuera la audiencia, en lo que me gustaría que sucediera; aunque no controlas todo lo que la gente pueda pensar, me gusta ser capaz de dirigirlo.” La museografía juega un papel básico en su trabajo, así como la distribución de las obras: le gusta que haya diferentes densidades y que de pronto se desborden, o que algunas piezas parezcan pasar inadvertidas y las encuentres.

En su futuro inmediato, Cynthia seguirá con el proceso del petrograbado de la manera más libre para ver hacia dónde la lleva. En términos más amplios, en su práctica busca que no pierda el giro, que existan otras formas de ver lo cotidiano. CG: “Como artistas siento que empezamos muy libres y con el tiempo la práctica se va volviendo tiesa, no quisiera perder eso. Me gustaría que mi trabajo siga siendo resistencia y quiebre, que pueda cambiar, al menos conceptualmente, la forma de ver las cosas.”

Rodrigo De N. Colmenero está cumpliendo 10 años de trabajar en comunicación de moda. Ha hecho de todo: editado medios, dirigido campañas, entrevistado a sus máximos y sobrevivido al freelanceo editorial —comprobando que sí hay forma de hacer camino—. Lleva los mismos 10 años dando clases, promoviendo la crítica, la autorreflexión y las tareas sin IA, aunque a ratos le parece una misión imposible.