AQUÍ TE PRESENTAMOS UNA SELECCIÓN DE EXPOSICIONES, PROYECTOS Y OTRAS RECOMENDACIONES PARA DISFRUTAR LA DIVERSIDAD CULTURAL DE LA CIUDAD DE MÉXICO Y ALREDEDORES, CURADA POR EL EQUIPO EDITORIAL DE 192.

 

Amorce — Paper, Index, Trace | Third Born

 

Hay algo profundamente humano en observar cómo una superficie registra lo que pasa por ella. Amorce – Paper, Index, Trace se sostiene justo en ese instante: el momento en que el papel deja de ser fondo y se convierte en testigo. Frente a estas obras, uno no mira solamente líneas, manchas o presiones, sino aquello que queda suspendido entre el gesto y su consecuencia. Artistas como Michelle Sáenz Burrola, Manuel Pidal, Fernando Polidura y Roberto Barbosa sostienen esta premisa desde distintos puntos, ampliando la noción de lo que un rastro puede decir.

El recorrido revela que cada pieza funciona como un pequeño territorio atravesado por el objeto. Hay obras en las que la huella se manifiesta con una delicadeza casi imperceptible, y otras en las que el papel parece responder con toda su materialidad, tensándose, hundiéndose, marcándose. Esa relación —a veces frágil, a veces frontal— abre una conversación silenciosa entre artista y soporte. Lo que aparece ante los ojos no es sólo la ejecución del gesto, sino la memoria acumulada en cada capa, como si el papel guardara la respiración del momento en que fue intervenido.

En conjunto, la exposición propone pensar la traza no como un residuo, sino como una forma de permanencia. Cada intervención —sea el trazo firme de Pidal, la sutileza material de Saenz Burrola, la exploración física de Polidura o el registro intenso de Barbosa— aporta una lectura distinta sobre cómo la presencia se vuelve materia. Así, mirar estas obras es entrar en un espacio donde la fragilidad y la resistencia conviven, recordándonos que lo que parece mínimo puede contener, en realidad, una enorme profundidad.

 

Visita Amorce – Paper, Index, Trace hasta el 12 de diciembre en la galería Third Born, ubicada en Calle Cozumel 86, Roma Norte, Ciudad de México. De martes a jueves de 14:00 hrs a 18:00 hrs, viernes de 14:00 hrs a 16:00 hrs y sábados de 10:00 hrs a 16:00 hrs

Texto: Sophia Garduño

Fotografía: Cortesía de Third Born

 

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Ahí donde quiebra el camino | Saenger Galería

 

En ‘Ahí donde quiebra el camino’, Jorge Rosano Gamboa parte del paisaje como una forma de pensamiento. Sus piezas exploran la relación entre la materia y la imagen: el modo en que la luz, el tiempo y la huella se convierten en color, textura y memoria.

 

Los volcanes son el punto de partida: presencias que enmarcan la vida del Valle de México y que aquí funcionan como metáfora de permanencia y respiración. Desde esa geografía telúrica y emocional, Rosano Gamboa convierte el paisaje en una forma de recordar.

Partiendo del pensamiento fotográfico como principio de observación, el artista expande su práctica hacia la pintura, la escultura y el textil para explorar cómo la imagen se manifiesta más allá de la representación. En sus lienzos, el color describe y vibra, actúa como fenómeno atmosférico que evoca el paso del viento, la niebla o la ceniza. Sus composiciones se mueven entre lo que se revela y lo que permanece bajo la superficie.

 

La muestra, curada por Paola Santos Coy, enlaza la tradición del paisaje mexicano con un territorio contemporáneo donde la imagen deja de representar para volverse presencia. Gobelinos, obras en papel picado y esculturas articulan un vocabulario material que desplaza lo visible hacia lo perceptible, lo simbólico hacia lo ritual.

‘Ahí donde quiebra el camino’ habita ese instante liminal entre la distancia y el tránsito, entre mirar y perder de vista. Como si el acto de observar fuera también una forma de sostener lo que se escapa, de preservar el temblor de lo que aún respira.

 

Visita ‘Ahí donde quiebra el camino’ de Jorge Rosano Gamboa en Saenger Galería, Ciudad de México, del 6 de noviembre de 2025 al 11 de enero de 2026 en Manuel Dublán 33, Tacubaya, CDMX.

texto: Zunshu Licona
fotografía: Cortesía de Saenger Galería

 

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Departamento de Fotografía | Tienda Departamental

 

La imagen como territorio y como impulso: eso propone ‘Departamento de Fotografía’, la exposición colectiva derivada del concurso homónimo convocado por Tienda Departamental. Un espacio que celebra la fotografía como gesto, pensamiento y huella.

 

“Lux” (2022), Darío Reza, fotografía digital

 

Tras una convocatoria abierta a fotógrafos y artistas visuales de todo el país, el certamen reunió cientos de propuestas en torno a tres ejes: Fine Art, Publicidad y Personas. Las obras seleccionadas —curadas por un jurado conformado por Olga Laris, Napoleón Habeíca, Taeko Nomiya, Omar Torres y Floria González— revelan un panorama plural de la fotografía contemporánea mexicana: desde el gesto íntimo del autorretrato hasta la precisión conceptual del collage, desde la individualidad del cuerpo hasta el ritmo urbano de la calle.

“Sin título” (2017), Francisco Makareno, fotografía digital

 

El resultado es un mosaico de intenciones donde la imagen deja de ser registro para convertirse en lenguaje. Las fotografías exhibidas visten el espacio de Tienda Departamental en una cámara expandida: cada marco es un espejo y cada reflejo, una forma distinta de habitar.

 

“Klimt” (2022), Ignacio Ponce, escáner

 

Esta muestra funciona como un manifiesto de comunidad: un punto de encuentro para quienes siguen creyendo en la imagen como una forma de pensamiento. La exposición, que inaugura el ciclo de exhibiciones temporales del espacio, permanecerá abierta durante tres meses y presenta las obras finalistas y ganadoras, disponibles también en edición limitada de venta.

Diosas del Ukhu Pacha (2022), Paola Lambertin, fotografía digital y collage

 

Visita Departamento de Fotografía en Tienda Departamental, Búfalo 163, Colonia Actipan, Benito Juárez, Ciudad de México, hasta febrero del 2026.

 

texto: Zunshu
fotografía: Cortesía de Tienda Departamental

 

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Sueño Perro | LagoAlgo

 

Qué maravilloso saber que toda la materia guarda memoria. Y cuando esa memoria puede descifrarse en imágenes, ocurre algo cercano a la magia.

 

En “Sueño Perro”, Alejandro González Iñárritu regresa al corazón de Amores Perros (México, 2000) veinticinco años después para desenterrar sus fantasmas. Entre los archivos de la UNAM, más de un millón de pies de celuloide olvidado se reactivan como si el tiempo hubiera estado aguardando su turno en el proyector. 

La instalación es un laberinto de luz y ruido: proyectores analógicos en 35 mm lanzan fragmentos inéditos que se entrelazan con el sonido de un sueño. Rayones, destellos, silencios interrumpidos por el parpadeo de la imagen. Todo vibra con la fisicalidad de un medio que se resiste a la desaparición. En una era digital saturada, Iñárritu apuesta por la materia: por el grano, por la textura, por la persistencia del recuerdo.

 

Rebobinar el pasado para entenderlo, permitir que las imágenes respiren otra vez. Sueño Perro recompone un rompecabezas disperso en el celuloide y revela lo que el montaje dejó fuera —las sombras, los errores y los instantes que aún querían ser—.

El resultado es una reflexión sobre la memoria y su fragilidad; una invitación a reconocer que todo registro, incluso el más olvidado, sigue vivo en algún punto de la cinta. Porque la memoria —como el cine— se reescribe, se rebobina y nunca se detiene del todo.

 

Visita Sueño Perro en LagoAlgo, Pista El Sope S/N, Bosque de Chapultepec II Secc, Ciudad de México. Viernes a miércoles de 10 a. m. a 7 p. m. y los jueves de 10 a. m. a 3 p. m.

texto: Zunshu Licona
fotografía: Cortesía de LagoAlgo

 

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Necesité personas | Saenger Galería

 

“Necesité personas” es un gesto que desafía la idea del artista como figura solitaria y autosuficiente. La argentina Ángela Ferrari (1990), radicada en México desde 2018, abre su práctica al encuentro con nueve creadores para insistir en algo que solemos olvidar: que ninguna obra existe en aislamiento, que el arte —como la vida— necesita de otros.

Ferrari define su mundo como un “barroco grotesco-pasional”, donde lo vegetal, lo animal y lo humano conviven en escenas de tensión: cuerpos que se frotan, muerden, se desgarran. En esta exposición, esa energía se desplaza hacia lo colectivo, dando lugar a un entramado de materiales y voces que se afectan entre sí. Hay cerámicas que dialogan con biomateriales hechos de cebolla y alcachofa; resinas industriales en tensión con dibujos botánicos; objetos híbridos que rechazan la perfección industrial y celebran la fragilidad del gesto manual.

La exposición también funciona como un relato personal de migración y arraigo. Ferrari llegó a México en medio de una crisis social en Argentina, y desde entonces ha pensado su práctica como una manera de resistir la precariedad y las fronteras cerradas. “Necesité personas” es, en ese sentido, un ejercicio de gratitud y una estrategia política: hacer comunidad a través de la diferencia, sostener lo común desde la generosidad.

La muestra es un laboratorio donde el error, la fricción y la vulnerabilidad se convierten en materia crítica contra la lógica individualista del mercado del arte. Aquí el espectador no solo observa, sino que entra en un espacio de resonancia donde cada obra responde a otra y, en esa cadena, recuerda algo esencial: toda práctica artística —por íntima que parezca— necesita de otros para existir.

Visita la exposición hasta el 30 de octubre en Manuel Dublán 33, Tacubaya, Ciudad de México.

 

texto: Zunshu

fotografías cortesía de: Saenger Galería

 

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Manifiesto Mexicano  |  Consgina

 

Manifiesto Mexicano traza una ruta por algunas de las obras y artistas más representativos del arte moderno en México, desde los murales monumentales del siglo XX,  hasta las búsquedas abstractas y simbólicas de los años noventa. La exposición, presentada en la Sala de Proyectos Especiales de Kepler 101, reúne piezas de Siqueiros, Orozco, Rivera, Carrington, Tamayo, Toledo, Goeritz, Felguérez, Friedeberg, Ricardo Martínez y Pedro Coronel, entre otros.

Más que seguir una línea cronológica, la muestra invita a ver cómo diferentes generaciones de artistas respondieron a un mismo reto: representar un país complejo, cambiante y lleno de contrastes. Desde los ideales revolucionarios del muralismo, hasta las formas más íntimas y experimentales, cada obra refleja una manera de mirar —y construir— lo mexicano.

Organizada por Consigna, la exposición forma parte de la apuesta de Kepler 101 por crear espacios de diálogo entre distintas épocas, lenguajes y públicos. Manifiesto Mexicano no busca una sola respuesta, sino abrir preguntas sobre nuestra historia visual y cultural.

Visita la exposición en Kepler 101, colonia Anzures, CDMX, hasta el 30 de noviembre.

 

texto: Michelle Alencaster

imágenes cortesía de: Consigna