#Agenda192: Expos para ver en CDMX

Diseño, interpretación pictórica, introspección...

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texto Danaé Salazar, Alberto Rebelo y Adan Michel
fotografías de cortesía

MEMORIA Y TIEMPO EN GALERÍA HILARIO GALGUERA

 

Paisajes que nos han marcado, los olores que nos estimulan, rostros que nos anclan a un sentimiento de familiaridad; todos ellos existen en nuestra memoria, facultad humana que nos permite recodar aquello que nos define y moldea nuestra identidad. Ése es también el punto en común de las dos exposiciones presentadas por Galería Hilario Galguera: Negra espalda del tiempo y Horizontes, 2022.

 

A través de diversas reflexiones hiladas por la curaduría de Gabriela Mosqueda, Negra espalda del tiempo explora los mecanismos de los cuales nos servimos para recordar, sin dejar de lado el olvido, descuido involuntario del ser humano que —paradójicamente— nos devuelve la memoria de quiénes fuimos, de lo que éramos.

 

Este diálogo entre opuestos se logra por el arte sonoro de Concepción Huerta, compuesto por grabaciones cotidianas que han sido intervenidas para crear narrativas imaginarias, y las obras multidisciplinarias de Vanessa Enríquez, quien explora conceptos y fenómenos ligados a lo material e inmaterial, usando como vehículo lo que ella misma llama “dibujo espacial”.

 

 

Para continuar la exploración de los reminiscentes del tiempo en la mente humana, la galería presenta en un espacio alterno Horizontes, 2022, primera exposición en México del artista belga Stijn Cole, parte de las experiencias personales del autor en un ejercicio de reconocimiento del tiempo. Sus piezas no privilegian la sublimación del tiempo, de los recuerdos, sino que buscan resaltar la belleza a través de lo ordinario.

 

 

Sin intentar imponer su punto de vista y con un lenguaje propio, Cole utiliza distintas técnicas, como la cerámica de distintas arcillas mexicanas, placas de mármol y fotografías de paisajes intervenidas digitalmente para presentar los recuerdos de un viaje a México —Mexicali, Hermosillo, Puebla, Hidalgo, entre otros— en un acomodo a la altura del visitante, sugiriendo una vista amplia en donde cada quien pueda proyectar sus propios límites. Los colores y la luz en las escenas, así como la composición en las piezas, son una invitación para traer a la mesa esa cualidad particular que tiene la memoria de ayudarnos a crear nuestra percepción.

 

Es cierto que ambas exposiciones comparten puntos de vista, pero cada una necesita su lugar. Horizontes, 2022 está en la Galería Hilario Galguera —Francisco Pimentel 3, San Rafael— hasta el 20 de octubre y Negra espalda del tiempo se encuentra hasta el 15 de octubre en El Cuarto de Máquinas —un espacio paralelo de la galería ubicado en Av. Chapultepec 79, Centro—. 

PAISAJES

 

Poner nuestro cuerpo en movimiento es reconocer a la idea de que nuevas realidades se configuran. Cada objeto que interactúa con nosotros, el espacio mismo, se vuelven una extensión de la identidad que nos conforma, interacción de donde surgen nuevas percepciones, nuevos paisajes. Éste es el punto de partida para la Ana Segovia y Diego Vega Solorza, pintora y bailarín, gestores de Paisajes, un proyecto interdisciplinario que se presenta en la Galería Karen Huber.

 

 

Este ejercicio escénico apela, por un lado, al movimiento muralista mexicano, jugando con nuestra percepción y puntos sensibles de una identidad nacional. Por otro, los elementos distintivos de la danza pretenden desdoblar la realidad bidimensional de la pintura, dotándola de un nuevo significado hacia la construcción de un concepto en constante mutación: la masculinidad.

 

 

A través de Paisajes, Segovia y Vega Solorza potencian la fuerza de dos disciplinas al llevarlas a un nuevo estado de apreciación multisensorial que nos demuestra, una vez más, que aquello que nuestra mente conceptualiza como mundo tangible no es más que la sucesión de todo lo que se impregna de emociones —intencionadas o no—, lo que constituye una extensión de nuestro cuerpo.

 

 

La sinergia que generan los movimientos corporales de Diego Vega Solorza y la visión pictórica de Ana Segovia logran el diálogo perfecto bajo la guía de Mariel Vela García, investigadora especializada en arte, que supo encontrar el lenguaje común de sensibilidad y optimismo por el futuro entre ambas disciplinas.

 

 

Paisajes se presenta en la Galería Karen Huber desde el 3 de septiembre y hasta el 5 de noviembre

MEET ME AT THE PUPPET MOTEL

 

Lo que Beth Frey (Calgary, Canadá, 1980) presenta en Meet Me at the Puppet Motel y su acervo artísticoes una declaración de que —definitivamente— no hay ningún tipo de confrontación entre el arte y la tecnología. Mejor aún, las posibilidades de la sinergia entre éstas son infinitas y se expanden para atravesar universos tan caóticos y singulares como las imágenes de Frey mismas; contradictorias, juguetonas, vibrantes y llenas de una alegría inquietante.

 

 

Para esta serie, un tributo distorsionado de la canción The Puppet Motel de Laurie Anderson, Beth Frey crea una estimulante y estrambótica colección de acuarelas inspiradas en esta canción, reunidas en un proyecto a su estilo, resultado de la fusión entre la inteligencia artificial y la técnica pictórica de la acuarela, contadas a través de su lengua particular, que fue creada como un diálogo que “humaniza” la tecnología utilizando —también— fragmentos de su rostro o cuerpo capturados a manera de selfies.

 

Mediante el uso de aplicaciones gratuitas que generan imágenes por medio de texto y del uso de la tecnología IA (NightCafe) y redes sociales como Instagram o Snapchat, Beth Frey nos invita a cuestionar lo que venga a nuestra imaginación al momento de ponernos frente a frente con sus personajes, pues el trasfondo no es meramente el trazado de un algoritmo, sino que conlleva discursos sobre rechazo al control, a las reglas sociales y los parámetros establecidos en torno a la sexualidad.

 

Meet Me at the Puppet Motel es presentada por Pamela Weissenberg, un espacio conceptual creado en sinergia por Pamela Echeverría (fundadora de LABOR) y Rudy F. Weissenberg (socio y co-fundador de AGO Projects), y ocupará el pabellón LABOR AGO diseñado por los arquitectos Pedro y Juana en el jardín de la galería Labor, del 3 al 28 de septiembre de 2022.

 

Galería Pamela Weissenberg se ubica en Francisco Ramírez No. 5, Daniel Garza, Ciudad de México.

No importa el momento del año, la CDMX es una invitación constante a conocer diversas propuestas artísticas y culturales de éste y otros países. Acercarse a las diferentes exposiciones es entablar un diálogo directo con nuevas identidades, siempre dispuestas a sorprender con el lenguaje que manejan.

 

Presentamos a continuación algunas recomendaciones para visitar este fin de semana, diferentes puntos de vista que abordan el concepto de modernidad, la experimentación de materiales, el conocimiento de nuestra identidad y más.

 

JOANIE LEMERCIER: PAISAJES DE LUZ

 

Joanie Lemercier (Rennes 1982) es un artista francés que lleva más de doce años enfocando su trabajo en el uso de la luz a través de proyecciones que generan estructuras y patrones con los que crea espacios impactantes que juegan con la percepción de sus espectadores, mapeando líneas difusas entre lo que se considera real y las simulaciones generadas a través de algoritmos. Además, el descubrimiento reciente de una mina de carbón cerca de su casa, llevó el rumbo de sus obras a ser una plataforma de activismo en contra del cambio climático.

 

 

Los espacios que Lemercier propone para la que es su primera exposición individual en México, presentada en el Laboratorio Arte Alameda, son ese tipo de reflexiones proyectadas en gran formato a partir de la tecnología y la luz. Seis instalaciones audiovisuales e inmersivas que alterarán tu percepción de las cosas con distintas tipologías de paisaje que asoman un intento por capturar la belleza de la naturaleza a través de la programación informática, y que no sólo exponen, sino cuestionan, nuestro papel como espectadores reales y como parte del mismo entorno, del mundo.

El uso de softwares con diferentes intenciones es parte fundamental de la exposición. En una de las piezas, un programa dibuja progresivamente un universo de montañas que se imprimen, gracias a un plotter que funciona como si fuera la mano del artista, y estos dibujos se cuelgan en las paredes formando parte de procesos más complejos en la muestra.

 

Paisajes de luz se presenta en el Laboratorio Arte Alameda (LAA), recinto de la Red de Museos del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), hasta el 30 de octubre de 2022, de martes a domingo, de 9:00 a 17:00 horas. Dr. Mora 7, Centro Histórico.

 

HABITÁCULOS

 

Existe en nosotros un deseo casi desesperado de romper las barreras que nos separan de la divinidad —sea cual sea la imagen que nuestra mente evoque—, de querer desvelar conexiones entre lo humano y lo sagrado. Para tales fines, hacemos siempre uso de objetos, extensiones de nuestro cuerpo como si fueran llaves a otro plano.

 

Habitáculos, los denomina Damián Lescas, y ése es el título de su más reciente exposición en CAM Galería, una experiencia multisensorial que nos invita a reflexionar sobre la relación que llevamos en estos tiempos contemporáneos con lo sagrado.

 

 

 

A través de sus obras, Lescas recuerda que el plano onírico siempre ha estado privilegiado por ser un lugar de revelación donde las divinidades manifiestan secretos reservados para quienes logren descifrar el lenguaje críptico con el que los comunican, desentrañando los arcanos del tiempo.

 

Con esta exhibición, Damián Lescas hace un exhorto para dejarnos seducir por los rituales diarios de nuestra vida, muchas veces inconscientes, que pueden ir desde gestos que hacemos como autómatas hasta los movimientos que expulsan con fuerza la energía que nuestros cuerpos contienen.

Habitáculos” está abierta al público a partir del mes de julio en CAM Galería, y para tener un primer acercamiento, puedes visitar su sitio web.

KOLAPSE. IMAGINAR DESDE EL COLAPSO

 

Imaginar desde el colapso. Ésa es la premisa que plantea Kolapse, organización que busca abrir el diálogo sobre la urgencia del cambio climático y que hoy encuentra espacio en Machete Galería a través de una exposición que reúne diversas voces que intentan cambiar al mundo.

 

 

La narrativa construida por Domitila Bedel —curadora de la exhibición— no da lugar a una sala meramente contemplativa, sino a una serie de historias donde el espectador se convierte en el creador de las respuestas que intentan dar un lugar al arte como partícipe contra la emergencia climática.

 

Cada una de las piezas —más de 15 en total— expuestas en Machete nos recuerda que la crisis que atravesamos tiene un alcance mayor al que imaginamos, que está presente la extracción de recursos, pero también en los discursos de colonización, el crimen organizado y la violencia misma de una naturaleza cada vez más cansada de ser explotada.

Imaginar desde el colapso” se instala en Machete Galería desde el 1 de julio, siendo la primera aparición de Kolapse en México pero, como ya advierten, no la única.

 

UNA MODERNIDAD HECHA A MANO. DISEÑO ARTESANAL EN MÉXICO, 1952-2022.

 

Objetos de nuestra vida cotidiana: eso es diseño. Los que nos fascinan por su utilidad y por su estética, por su confección y por su historia. Los objetos no son banales y menos los que cargan en sí una dosis de diseño. Sus creadores son artesanos, artistas, creativos y, en México, esta industria tiene mucho qué decir. Hacer una reunión de los objetos de diseño que han sido parte de nuestra historia (de 1952 a este año) me parece una labor titánica e infinita, sin embargo, dentro del MUAC y con la curaduría de Ana Elena Mallet, se hizo posible. 

Es crucial hablar del punto de partida de esta exposición, ya que solamente se han hecho dos muestras de esta naturaleza dentro de la historia del diseño en México. La primera fue gracias a Clara Porset, una diseñadora cubano-mexicana que en 1952 organizó la primera exposición de diseño en el país: El arte en la vida diaria. Exposición de objetos de buen diseño hechos en México. Esta expo también se presentó en una recién inaugurada Ciudad Universitaria. Para Porset, explica Ana Elena, “los contenidos y el recorrido de esa muestra fueron un postulado de lo que el diseño nacional debía proyectar de cara a la modernidad”. Fue un parteaguas ya que en ella se mostraba cómo el diseño, la artesanía y la industrialización podían colaborar para crear piezas de diseño accesibles, con sentido social y estético. Además, para ella representaba una etapa predominante gracias a la cual se podría comprender el arte moderno.

Así llegamos al día de hoy y su Modernidad hecha a mano, la cual reúne cientos de piezas de diseño, en ese afán incansable y hermoso de dar a conocer la evolución y la íntima relación que ha prevalecido durante años entre el diseño artesanal e industrial en nuestro país.

 Plato, Jorge Wilmot,

 Florero, Ken Edwards, 1970.

La exposición se encuentra la Sala 9 del MUAC hasta el 13 de noviembre.


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